Como ciudadano, mas de 30 años en la fiesta y norteño anormal, he vivido la historia como la mayoría: de oidas. He aprendido mas sobre México en las letras, películas documento y ocasionales encuentros con él, que con lo que se me pegó en la escuela. Y confieso que me encanta horrorizarme con cada nuevo descubrimiento, con cada mito destruido, con cada comprobación de que fui engañado y entrenado para no cuestionar la historia oficial. San Tabaco, cuida a tu rebaño de seres autodestructivos y guialos por el camino de la rebeldía. Santa Cafeína, que tus arrinconados fieles no sucumban ante las expulsiones y que tengan siempre un lugarcito al cual arrimarse para orar y orar y por lo menos imaginar un mundo mas justo.
¿Donde han quedado los revolucionarios? ¿Es posible el levantamiento en el 2010 si la mayoría de los rebeldes goza la vida en linea? ¿Será por ahí? (¿Por aquí?)
Se ha escrito bastante sobre las nuevas generaciones de luchadores sociales y los intelectuales que alimentan su filosofía. Pero los soldados, los guerreros, las masas necesarias que compondrían el grueso de la fuerza social que podría provocar el cambio, se encuentra anestesiada y es incapaz de levantarse. Haría falta algo radical para devolverle a los guerreros el ímpetu. Ya por lo menos la inteligencia suficiente para que pudieran ver mas allá de la gruesa cortina de bella basura que les impide distinguir lo que es real e importante para su vida. Como mantra, repetir: No soy un ______. (Carro, hamburguesa, objeto sexual, juguete, celular…)
Haría falta apagar la televisión.
Mejor aún, siendo que hay algunos canales decentes, hace falta la criminalización de las grandes cadenas televisivas y radiofónicas, que se han avocado y especializado a la creación de masas de consumidores, de zombies funcionales (que solo de vez en cuando murmuran lo que realmente les hace falta -”¡cerebros!“) de ejercitos que solo atacan los supermercados, las cervecerías y las boutiques.
Mantra: Televisa y TV Azteca me quieren ver la cara.
Programas como “Atrevete a soñar” no fueron creados para contar lindas historias, son un pretexto para vender mercancía. Si tienes a tu niña de dos años vestida de Patito no te quejes cuando te pida la lonchera, los lentes, la mochila, el maquillaje, el disco, la pasta de dientes, el shampoo, la casita, y todos los absurdos productos al que le estampan la cara de la pobre chamaca.
A la próxima que te identifiques con la protagonista de una telenovela piensa en esto: Los personajes nunca están viendo la tele. A la próxima que estés vitoreando a un heroe de acción pregúntate: ¿Tengo algo por lo cual arriesgarme? Y luego, cuando des con la respuesta, piensa: compartimos nuestro destino, no estamos solos.
Trivia: Escribe por orden alfabético en dos columnas los nombres de 20 artistas de televisión en una y los de 20 artistas sonorenses reconocidos de cualquier disciplina en la otra.
También la literatura se ha convertido al consumismo; religión falsa que en lugar de ofrecernos conocimiento e inspiración se ha vuelto industria de charlatanes.
Mantra: Los libros de autoayuda solo ayudan al autor.
¿Cuantos libros chatarra te has leido? Son chatarra. Todos dicen lo mismo, y lo que te dicen es lo que ya sabes o lo que te gustaría que te dijeran. Sobre todo, hay que tomar en cuenta que todos estos libros elevan el yo por encima del nosostros. La filosofía del éxito por encima de todo y de todos te lleva a la cima, pero ahí no hay nadie. Si llegas, lanzate al vacío, si fuiste justo alguien va a detener tu caida.
Los libros de moda no son obligatorios. Todo lo que esté “de moda” es sospechoso. No seas borreg@.
La radio no se queda atrás en este rubro. Tal parece que el mundo es perfecto y no existe otra cosa sobre la cual cantar que no sea el amor de pareja, el desamor de pareja y la fiesta en la que conociste o conoceras a tu futuro amor de pareja.
Mantra: No es un éxito, es una conspiración.
¿Como es posible que se repitan las mismas veinte canciones todo el día en todas las estaciones? ¿De verdad no hay mas música, no hay otros artistas, no hay otros géneros, no hay otros temas? De que los hay, los hay, pero a las empresas y disqueras les interesa que compres al artista al que le están invirtiendo. Al final termina uno aprendiendose canciones que al principio detestaba o consideraba menores, ya ni hablemos de diversidad en la música. Tenemos que pensar en lo siguiente, se trata de una empresa, de un negocio cuyo sector identificado como mejor comprador es tal o cual. Por lo tanto, te ofrecen a ciertos artistas y con tal estilo de temas. No les interesa que escuches buena música, no les conviene que tengas de donde escoger, y por respeto a los dueños, no programan temas con letras reflexivas. El que piensa no compra.
Luego existe la práctica de la famosa payola, que al final no es lo único que nos afecta. Muchas estaciones se van a lo seguro y programan lo que ha tenido éxito en el pasado, a los “artistas probados” y al perfil de sus radioescuchas. Esto resulta en un círculo vicioso del que no se sale nunca y por lo tanto hay escaso talento local que logra entrar a la programacion. Y si se te ocurre hacer un programa para puro talento local, buena suerte, se te venderá el espacio y para que consigas quien pague por el va a estar cañón.
Y bueno, esos son nuestros medios masivos, si me pongo a escribir sobre internet y sus multiples maneras de no ayudar, se me va el día. Por supuesto, no pretendo inferir que no hay nada bueno en estos medios, solo apunto hacia las tendencias negativas que tienen a nuestra sociedad en la categoría de alfabetas funcionales.
Volvamos a la revolución.
No se puede hacer si se nos mantiene en un estado permanente de solitaria estupidez, de cobarde complacencia, de ignorante y falsa felicidad.
¿Orgulloso de ser Mexicano? ¿Por qué? Te están mintiendo. No es un país para sentirse orgulloso. Bello, diverso, si. Justo, progresista, con igualdad de oportunidades, lamentablemente no.
Y aclaro también que no deseo una revuelta armada. No es necesaria. Lo que necesitamos es una revolución de voluntades, de intelectos. Una revolución social enfocada en desiciones que nos permitan tomar el control que hemos perdido mientras mirabamos deportes, chismes del espectáculo y reality shows. Lograr nuestra independencia a través de nuestra liberación de las modas musicales, literarias y fashionistas. Que cada quien escuche, lea y se vista como quiera. No debemos adoptar los ideales de unos pocos.
Mantra: La moda es pasajera, la personalidad no es externa y la imitación no es elogio, es inseguridad.
Abogo por una guerra contra nuestros vicios individuales y de grupo. No más golpes de pecho. No mas semanas ecológicas si el resto del año generamos toneladas de basura y desperdicio. No más vida saludable si cada que salimos a caminar compramos una botella de plásticontaminante y al regresar a casa dejamos correr el agua. No más teletón si no somos capaces de generar y exigir bienestar para nuestros sectores vulnerables aquí en casa. No mas llamar y regalarle nuestro dinero a las cadenas de televisión para votar por nuestro cantante favorito si no apoyamos primero al talento local. No más televisión si no dejan de bombardearnos con mentiras y exageraciones sobre medicamentos, encuestas falsas, productos inútiles que solo cambian nuestra vida haciendonos mas pobres. No mas declaraciones fiscales mientras existan impuestos inventados, repetidos, renombrados, arcaicos e injustos. No más alza al transporte público, el salario mínimo se va en eso… y no le llamen “público”, eso es una burla, si fuera público no costaría tanto.
Y bueno, agregue usted su guerra mientras sea justa y para bien de todos.
El 2010 es un buen año para empezar a ser dueños de nuestro destino, de nuestro país. Dejemos de ser inquilinos en nuestra propia casa; dejemos de ser trabajadores feudales; dejemos de ser el sustento y el hazmereir de los grandes empresarios; dejemos de tener miedo.
Y, ¿como?
Mantra: Recuerda a los tres cochinitos.

No quiero inventariar todas las expresiones que legó el progenitor, pero la que titula el relato, es especialmente demostrativa de lo que hoy quiero gritarle al mundo.

Con el sugestivo retruécano, mi padre, a la menor provocación aludía la necesidad de ponerle ideas a las ganas.
Y tuvimos muchas ganas de que la Décima Marcha por la Justicia de Cajeme fuera éxito, y las ideas sobraron.
Semanas, semanas y semanas de preparativos para darle fuerza al llamado; para que la convocatoria fuera exitosa y centenares de personas llenaran las calles de Ciudad Obregón.
Prensa, radio, televisión, amigos, vecinos, compañeros de la chamba o alumnos de universidades; y a tiro de piedra, cuanta fulana y zutano o perengano hicieron contacto visual, fueron llamados a la marcha del 7 de noviembre.

“Sí manito, allá estaré”, dijo muy seria La Changeles; “Clarín carnal, cuenta conmigo”, remachó la charla El Valentín y apostó que iría con diez veladoras para iluminar la noche tras marchar.
La Chayo recomendó en su escuela la marcha del 7 de noviembre por la justicia del Movimiento ABC; lo hizo hasta como ejercicio aeróbico, y siete profesoras celulíticas aseguraron que marcharían.
En sus peores cálculos, Maripaz Rodríguez creyó que tendríamos garantizados dos centenares de caminantes tatuando sus plantas en las calles de Obregón.
“Si el obispo juntó medio millar, la causa de los niños no podrá ser tan poca cosa”, dijo firmando las palabras con sorbetones ruidosos al café.

Un éxito completo: vendrían los fotógrafos a dejar retratos sepia y grises; los motociclistas del motohomenaje; las calacas y los señorones de los zancos; los niños cantores del colegio de nombre impronunciable y, el coro de la universidad que El Conrado comprometió traerse del Pitic.

Pasaban treinta minutos de las cinco, la hora de la cita, y lo que debía ser muchedumbre era “pocadumbre”. Con periodistas, “sordos” y curiosos desbalagados, no acabalábamos tres docenas.

Y llegó Roberto Vélez a ponerle pasión al encuentro.

Vino de Hermosillo, expresamente para sumarse a la marcha y a dignificar con su sacrificio el reclamo de justicia por los niños que murieron en el incendio de la funesta Guardería ABC. (Intento siempre ahorrarme adjetivos, pero al final, sucumbo invariablemente a las ganas de ensartarlos).

“Jesús, somos muy pocos, ¿qué dices, marchamos?”, dijo La Maripaz con chisguetes de voz avergonzada.

“Y pa´acabarla, ni las mantas ni los carteles, porque La Belén anda metida en la boda del hijo y nunca llegará”, terció El Rosendo, con la mirada atada a los cordones de los tenis.

El señor Vélez, sentado por la fuerza de la gravedad de su enfermedad en la silla de ruedas, respiró hondo y enarboló por lo alto el pendón con leyenda a Glorieta del Ángel: “ME LLAMO JAVIER/SOY DE GUADALAJARA/LE VOY A LAS CHIVAS/Y EXIJO JUSTICIA PARA LOS NIÑOS DE LA GUARDERIA ABC”.

“Jesús, somos muy pocos, ¿cómo la ves, agarramos el pavimento?”, dijo La Maripaz a punto del soponcio.

“Mira mujer, vino Alejandro; aquí está Perla Murray, andan por ahí Tere Padrón y Rosy Rodríguez; también se dejaron ver Patricia Bone y doña Marcela con todo y chamacos; oye esa escandalera de la plebada entusiasta que comanda el morro “cuerpo de churro”, tenemos encima un chingo de periodistas y los polis secretos del municipio que nos vigilan, y…y mira esas ruedas rodando, ¡VAMONOS!”.

Muchos hombres y mujeres de Cajeme, y de Sonora también, debieran tomar cátedra con las tres decenas de ciudadanos que éste sábado 7 de noviembre se enfrascaron, o enrutaron pensamiento, obra y vida, a la caza del trascendente objetivo de reclamar justicia ejemplar para los niños muertos en el incendio de hace cinco meses.

Debo decirlo: teníamos compromisos, garantías y palabras de personas que a última hora desistieron de presentarse a formar parte de la marcha.

Por ejemplo, Pablo, Raúl e Hilda, que son funcionarios en el gobierno, llamaron para justificar ausencias y argumentaron que estaban con nosotros, pero no irían porque temían represalias. Otro paquete de pusilánimes autocensurados.

Hace mucho que sé que en Cajeme, y en Sonora también, es difícil la libre manifestación de ideas o la abierta expresión de preferencias. Eso escuece el alma.

También sé que quien pretenda asumir los desafíos de la lucha social debe estar construido con pasta especial. Una pasta social que resista desaires, descalificaciones, olvidos o desprecios; y en peores escenarios, que tenga disposición para sufrir afrentas, agravios, canalladas, o agresiones.

Nacido del Jesús Noriega padre, ése sí, creado y criado en los entresijos de la cultura del esfuerzo, en el corazón del Valle del Yaqui abierto apenas al progreso, no podía permanecer impasible…

A la mitad de la desairada Décima Marcha, cuando vi la fuerza moral de los caminantes pisando fuerte y al Sr. Vélez enarbolando la pancarta del reclamo futbolero, grité con todas mis fuerzas frente a la mole inanimada del Mercajeme:

¡LOS SESOS REVUELTOS CON HUEVOS SON MÁS SABROSOOOOS!

El alburero juego de palabras señala a montones de personas, que en la intimidad o en lo corto, escuchamos comprometidas con la demanda social, pero que han sido incapaces de pisar firme para reclamarle al gobierno los regateos de justicia con los dolientes padres y madres de los niños muertos y lesionados con el incendio.

El horroroso infanticidio colectivo es un trancazo para la humanidad, conmocionó para siempre el corazón de Sonora, de México y el mundo; por el mínimo honor de sonorenses, es humanamente imposible que hoy dejemos solos a los deudos del medio centenar de niños muertos, porque con esas muertes todos morimos un poco.

Vale, agur…

Jesús Noriega

Por Alan Inclán

Las formas de hacer arte hoy en día se encuentran más cercanas a un entorno cotidiano, colindante a una realidad influida por la era pos-industrial, la híper información de la mano con los medios masivos globales y, por supuesto, del consumismo. Digamos que el arte que habla del entorno presente, divaga y se nutre entre las calles con sus supermercados y seven-eleven que estar entre los pasillos del Louvre o ante la magnificencia de la Capilla Sixtina. Es en el consumismo en donde finca una de las características importantes de las sociedades urbanas, originado por el auge de la revolución industrial en el siglo XIX que ocasiono cambios radicales en la vida en las sociedades y que se convirtió hoy en día por medio de la hegemonía mercantil y cultural de los países desarrollados occidentales (como Estados Unidos e Inglaterra) en una cultura hibrida en las urbes de la mayor parte del mundo.

Las formas operan bajo inspiración del entorno consumista y se inserta también en pro de la venta masiva de una obra artística. Por ejemplificar, el Pop art, de finales de los sesentas ya avizoraban el albor posmoderno en donde el núcleo de inspiración son la mercancía o más bien de los productos masivos. Por lo que podemos citar la famosa obra de Andy Warhol basada en la lata de Campbells, o en la figura de las estrellas de cine cómo Marilyn Monroe o James Dean. Podemos mencionar las obras de Lichtenstein en donde plasma en sus cuadros viñetas directamente de los cómics o historietas del periódico. Este es el claro ejemplo del arte en estrecha relación con nuestra rutina y cotidianeidad donde consumo o el fetichismo de la mercancía espectacular esta de la mano con el arte posmoderno.

Debe de entenderse que el arte posmoderno es una etiqueta ambigua, con múltiples definiciones que es tema de discusión entre académicos e intelectuales actualmente sin llegar aún a una definición, pero también, debemos de comprender que una de las formas de entendimiento cuya idea discursiva que es parte de la lógica de la cultura en las sociedades modernas capitalistas. Esto no significa que por “pos” sigue con el proyecto moderno sino todo lo contrario, de que lo retoma en el sentido en que recicla ese pasado inmediato y lo adapta al presente. Es decir de que se ha superado el proyecto moderno de una forma reconstruida, coloridamente yuxtapuesta para reinterpretarla y señalar lo decadentemente festivo, paradójicamente, del fallido orden de la modernidad mostrando ese lado desenfadado con sus múltiples culturas, razas, ideas y épocas en que bizarramente se mezcla así en una estética que inmediatamente el receptor de la obra se identifique con el entorno de la urbe en que vive.

Un claro ejemplo de las yuxtaposiciones es la obra del artista neoyorquino Jean Michael Basquiat que durante los ochentas del siglo pasado causo furor entre los medios artísticos por su salvaje originalidad. Su obra se basaba en la particular mezcla de la estética del arte africano con arte callejero del graffiti. El impacto no radicaba en que descubrió el hilo negro sino lo novedoso fue el coctail de influencias.

El poli culturismo llego para tumbar las barreras que existían (existen) entre el arte “culto” con el arte “popular”, el término popular aquí visto fuera del contexto folclórico sino más bien el que es aceptado y reconocido por las grandes masas por medio de las comunicaciones electrónicas o impresas y con un valor de consumo grande. Esto deriva a un desorden provenientes de la teoría posmoderna de los signos arrancados de un contexto especifico, provocado por los desordenes del mercado capitalista. Es perpetuado en esa constante recolección de fragmentos a la par de ese nihilismo de los valores concretos del modernismo. Es en este parte del tema en donde se entiende las yuxtaposiciones extrañas. Es la reinterpretación cinematográfica de Romeo y Julieta (Baz Lhurman 1998) de Shakespeare en un contexto de estética moderna-urbana, con una banda sonora de las bandas juveniles del momento; es la reinterpretación de las obras de Bach en electrónica del álbum de Walter Carlos; son las composiciones musicales de John Cage que mezcla lo ortodoxo y lo experimental; la ópera-rock y varias propuesta más que combinan lo “culto” con lo “popular”.

El hecho estético de hoy ha terminado en la propuesta de una mirada realista en un mundo superficial y mercantil. Afirma el hecho social de consumo, se centra en el simple placer y predica un nihilismo con los conceptos hegemónicos del modernismo. Ora por una poética de una comunidad insertada en la modernidad urbana, pero en la contradicción de “modernidad” cómo algo decadente y al mismo tiempo alegre en las mezclas culturales raciales, ideológicos que puede llegar hacer ese extraño “remix” que surge, en especial, con las grandes urbes cómo Nueva York, Tokio o la Ciudad de México. La representación estética posmoderna acontece en las calles, en las edificaciones, la urbanística, los bares, los suburbios en donde indiscriminadamente se mezcla lo grotesco, lo bello, lo inútil, lo kitsch, lo cursi, lo elegante, lo pornográfico, lo sublime, lo cómico, y un sinfín más de posibilidades que sólo aspira a darle forma al mundo cotidiano.

Ya hace algunos ayeres tuve el gusto de toparme con una película que, aunque en ese momento no valoré lo suficiente, sí me impactó en considerable medida; hablo de la película biográfica sobre Jackson Pollock, que homónimamente recibe el nombre de Pollock (2000). Dos grandes actores norteamericanos dan vida a lo que fue la tormentosa existencia del que yo considero uno de los pocos artistas plásticos de esa nacionalidad que gozó en su momento de reconocimiento y renombre a nivel internacional: Ed Harris (The Truman Show, A Beautiful Mind, y Apolo 13, entre otras) y Marcia Gay Harden (Mystic River y American Dreamz, entre otras). Por su intervención en la cinta, Gay Harden obtuvo el óscar a la mejor actriz de reparto.

Aunque la película por motivos comerciales hace mucho énfasis en aspectos controversiales de la vida de Pollock, tanto en sus múltiples amoríos como en su adicción por el alcohol, por no mencionar sus problemas psicológicos, logra volverse atractiva para todo tipo de público, incluso para el que ha tenido escaso contacto con el mundo del arte y que no tiene ni una vaga noción del trabajo de este artista.

Con la película pasa algo distinto que con la obra de Pollock. Comúnmente cuando nos encontramos frente a la obra del artista podemos tener un amplio espectro de reacciones: bien podemos amarla, odiarla o de plano reírnos y exclamar “Esto lo hace un niño de preescolar”. No ocurre lo mismo con este largometraje, ya que nos presenta al artista, su vida, sus amores, y esa su búsqueda de recursos expresivos que le satisficieran. Sin embargo, una vez que uno es atraído por su obra, difícilmente puede quitarle los ojos de encima.

Otro de los aspectos sobre el cual es conveniente reflexionar al apreciar la obra de Pollock es el contexto histórico del artista. En los albores de la Segunda Guerra Mundial, muchos de los creadores, no sólo de Europa, sino del mundo entero, buscaban refugio de las atrocidades e injusticias producto de esos conflictos bélicos. Incluso en alguna ocasión recuerdo haber leído que los artistas rechazaban la representación fiel de la realidad o del hombre por hastío y desprecio hacia el ser responsable de dolor y sufrimiento hacia su misma especie. En este caso muchos de los artistas apelan a recursos abstractos, es decir, a pintar o representar sin intención de copiar nada fielmente, o incluso incorporando elementos que sólo existen en el mundo de las ideas conscientes o inconscientes.

En ese tipo de corrientes pictóricas se encontraba Pollock, específicamente en el expresionismo abstracto, el cual buscaba utilizar figuras que no fueran del todo parecidas a sus referentes o símiles en la vida real y con una fuerte carga intelectual y emocional. Sin embargo, Pollock es mayormente conocido por su action painting, es decir, la técnica pictórica que consiste mayormente en derramamientos, goteos y “accidentes controlados”.

Se cuenta con información de que Pollock participó en el Siqueiros Experimental Workshop – Laboratorory of modern Tecniques in Art, taller instalado en Nueva York por David Alfaro Siqueiros, quien fuere un incansable buscador de nuevos recursos que permitieran al artista lograr un mayor grado de expresividad, y quien en alguno de sus ejercicios plásticos acuñó el término accidentes controlados, que no eran sino ciertas acciones relacionadas con el acto de pintar que poseían cierto rango de aleatoriedad. No son pocas las personas que aseguran que Pollock recibió una considerable influencia del maestro Siqueiros.

Pero bueno, después de ese pequeño flashback histórico, volveré a la película, la cual muestra varios aspectos de la vida de este atormentado artista. Recuerdo que una de las escenas que me causó mayor impacto es aquella en que un sobrio pero ansioso Pollock llega a una tienda rural y pretende cambiar uno de sus cuadros por un cartón de cervezas y cigarrillos. La persona encargada de atenderlo ve desdeñosamente la obra y, por azares del destino, accede a su petición. Corte a dicha escena de la tienda y aparece Pollock montado en bicicleta fumando y con la caja de cervezas en el manubrio. De pronto lo posee un furor y febril antojo de probar sus anheladas cervezas, saca una del cartón -aún andando la bicicleta- trata de abrirla, trastabilla y cae al piso con todo y el preciado líquido.

No pretendo decir con esto que sea una de las imágenes o escenas más representativas, pero al menos para mí es una que tiene cierta magia y muestra un aspecto de la vida del artista y que permite dilucidar su personalidad. Desde luego que la escena más importante es aquella en la que, sin querer, al estar trabajando en una obra mancha otra e, intrigado por este fenómeno, tira aquella en la que trabajaba, toma un lienzo en blanco y descubre lo que sería su herencia para la historia del arte: el action painting.

En resumen, creo que la película no posee ningún tinte propagandístico, y que tiene un buen tratamiento, aunque no deja de ser hollywoodesca. El director Ed Harris se dio a la tarea de investigar seriamente el tema e incluso se realizaron entrevistas a personas que tuvieron relación con el artista. Harris, como un actor serio y consagrado, representa al artista al desnudo, mostrando sus defectos y virtudes. Y, a fin de cuentas, lo importante es que la cinta permite echar una ojeada de una manera bastante entretenida a la vida y obra de una figura muy importante en la plástica mundial del siglo XX, el gran Jackson Pollock.

Para aquellos que no ha tenido oportunidad de disfrutar este interesante documento, les invito a aprovechar el espacio que abre el ciclo de Cine Verano del Instituto Tecnológico de Sonora, con la proyección de Pollock el día viernes 12 de junio en punto de las 17:30 horas en la Galería de Arte del propio ITSON.

Ficha técnica:

Nombre: Pollock
Director: Ed Harris
Protagonistas: Ed Harris, Marcia Gay Harden
Productores: Fred Berner, Ed Harris, John Kilik, James Francis Trezza
Género: Biografía, drama
Música: Jeff Beal
Edición: Kathryn Himoff
Guionistas: Steven Naifeh, Gregory White Smith
Distribuidor: Sony Pictures Classics
Estreno: septiembre 6, 2000
Duración: 126 minutos

Por Alan Inclán

El capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco (Anagrama. 2002.) Libro póstumo de unos de los escritores norteamericanos más corrosivos e influyentes del siglo XX. Autentico outsider de la literatura (pos)moderna, se edita de manera póstuma la recopilación de sus diarios en los últimos años de su vida. Bukowski (1921-1994) sabía una cosa: vivió la mayor parte de su vida en la dureza de los callejones, en la miseria, entre botes de basura, al lado del charco infeccioso, ahora ya de viejo y con cierto reconocimiento vive en una casa en los suburbios de Los Ángeles, con una esposa, auto en la cochera y un jacuzzi en el patio, pero las inquietudes son las mismas.

En este libro, ya con toda la experiencia a cuestas en la vida y en la escritura, nos hace adentrarnos en la cotidianeidad de sus años de viejo. Con una escritura clara y lúcida como pocos escritores pueden alcanzar hoy en día, Bukowski nos guía a su rutina en las que deambula entre su cuarto de escritura, su relación con los vecinos de clase media en los suburbios angelinos, las fiestas y, por supuesto, sus escapadas al hipódromo, que siempre fue un aficionado a las carreras. También a través de los diarios hace reflexiones acerca de la vida, la muerte, el lado oscuro del sueño americano, el materialismo histérico, la fama, la literatura y el proceso de la escritura: “El mundo puede vivir mucho mejor sin escritura que sin fontanería. Claro, yo preferiría vivir sin fontanería.” Bukowski fue un escritor que vivía de la literatura y el alcohol, que incluso literalmente moría de hambre, por lo que él consideraba lo que tenía que hacer y punto, sin esperar halagos de nadie, o que sus libros estuvieran en el estante de los best sellers, y mucho menos le interesaba ganarse el premio Nobel de literatura. Y en el libro hace remembranzas de esos días en que peleaba en contra del sistema, y eso cómo lo alienaba con sus múltiples desaires como escritor.

Al adentrarse en las páginas del libro desde la voz del hombre, no del escritor o narrador -lo cual lo hace extrañamente afectivo-, ofrece una observación aguda y ácida de la humanidad. Así escrito, logra que en el libro se evitan las artimañas de ficción con una intimidad sólo como los diarios pueden hacerlo, Bukowski, siempre misántropo, observa desde su cotidianeidad los horrores del hombre moderno, el absurdo del sistema que en que andan sumidas las personas, pero paradójicamente con una oculta indulgencia que se denota con el humor y el genial cinismo que le agrega a este coctel íntimo de sus diarios. La lectura es sumamente ágil, económica en verborrea pero con garra y humor.

A final de cuentas, El capitán salió a comer y los marineros tomaron el barco es un testamento que enseña que la vida ordinaria es algo muy complejo e interesante de observar, en donde la raza humana no sale para nada bien librada desde el punto de vista filoso de uno de los últimos escritores malditos. Como alguien dijo, la mejor herencia de Bukowski fue su amargura.

“Cuida bien tu entorno, quizás mañana sea tu mejor herramienta para salir airoso”
-Anónimo

Estamos en la fase crítica para la vida en el calendario anual en esta región del mundo: Bajísima humedad atmosférica, arroyos secos, plantas sin hojas, suelo brillante, temperatura de cuarenta grados Celsius, animales flacos. Pero es justo en esta etapa extrema de la sequía cuando las plantas cactáceas hacen el gran esfuerzo metabólico y entran al rescate reactivando la algarabía de la vida al producir coloridos frutos ricos en agua y azúcares que los animales desesperadamente comen para luego esparcir las semillas por los montes.
Tohono O’ odham, Ópatas, Pimas, Seris, Yaquis y Mayos, quienes efectivamente han forjado su cultura en este medio físico vinculándose estrechamente con el entorno saben de la importancia de este suceso, de éstas plantas.  La fruta más apreciada por ellos es la pitahaya por su exquisito sabor y toda clase de bondades para la salud; también la utilizan para la producción de mermeladas y vinos. Dicha fruta la da una planta de mismo nombre, cactácea con figura de tubos de órgano (en Estados Unidos la llaman Organ Pipe Cactus).
La mayoría de los que vivimos en Hermosillo, Guaymas, Ciudad Obregón y Navojoa (por mencionar las principales ciudades de esta región desértica y de transición de Sonora) no tenemos ese grado de vinculación al entorno; nos servimos del comercio y la tecnología para satisfacer necesidades de alimentación y específicamente de frutas. Conocemos y consumimos muy poco de lo que las plantas nativas nos ofrecen; lo malo no es que no las aprovechemos, sino que las despreciemos.
Mientras que curiosamente en otras regiones del mundo causan gran admiración, se informan, buscan cultivarlas y ha aumentado significativamente en últimos años la demanda de la fruta de estas plantas, principalmente en Europa; aquí no pasa nada. Pese a que está penado por ser consideradas especies endémicas en peligro de extinción, se siguen mutilando, quemando o arrancando durante los llamados desmontes. Hay que considerar que cada gran cactácea que llega a adulto es una hazaña, pues su desarrollo es muy lento y son muy vulnerables en sus primeras etapas; una pitahaya tarda unos diez años para alcanzar sus primeros cinco centímetros de altura. En el territorio del municipio Cajeme es posible encontrar una gran variedad de especies cactáceas, y entre ellas se encuentran tres de las más grandes de esta familia: el Saguaro (Cereus Giganteus), el Etcho (Pachycereus aboriginum) y la Pitahaya (Stenocereus thurberi), siendo esta última la más abundante.
La historia natural y la de las civilizaciones humanas enseña que aquellas poblaciones que conocen su entorno, que lo saben aprovechar y cuidar, tienen más éxito. Involucrémonos más en nuestro entorno natural, empecemos de la manera más simple: Comiendo una pitahaya esta temporada; su composición nutricional es muy rica, es una buena fuente de fibra, calcio, fósforo, vitamina C, carbohidratos y hasta de cultura (indirectamente).

Todos los infantes son por vocación, científicos. Se preguntan todo sin prejuicios, observan cada detalle, experimentan con sus juguetes o con lo que encuentren en el campo; cada día es emocionante y abren los ojos luego del sueño de la noche con el entusiasmo y energías recargadas para un largo día de investigación e invención.  Así son los días del niño en un entorno saludable. Y sus aspiraciones suelen ser maravillosas.
Pero ahora tristemente en nuestra sociedad y específicamente en nuestra ciudad, a muchos niños se les apaga esa chispa cada vez más temprano (¡que no debiera apagarse a ninguna edad!) por culpa de los adultos que han creado un monótono y comodino estilo de vida, una red cultural donde la ciencia y creatividad es lo menos.  El adulto, los padres de familia son el ejemplo primario del niño que muchas veces busca ser como ellos para sentirse más aceptado.

Hasta hace un par de décadas la figura del científico era cautivante y alabada, la inteligencia humana en su máximo esplendor, un ejemplo de éxito profesional, un digno representante de la humanidad. La ciencia tenía algo de romántico y ensoñador, y en mucho se debió a que se tenía cercana, fresca la vida y obra del genio de los pelos revueltos Albert Einstein, en ese entonces todos los niños querían ser como él, un inventor de cosas nuevas, de ideas reveladoras.  Einstein salía en la televisión, en los periódicos, en los juegos.  La realmente bella e inspiradora serie de divulgación científica Cosmos de Carl Sagan era vista por multitudes en todo el mundo en los años 80’s, ¡fue la serie televisiva más vista en la historia!; seguramente algunos de los Cajemenses ahora adultos recordamos esos domingos por la mañana cuando “viajábamos” junto con Carl en su nave por el cosmos cuando la pasaban por el canal local.
Ahora en lo que va del siglo XXI es muy triste ver como todo ese entusiasmo por la ciencia se ha ido perdiendo; el espacio que ocupaba en los medios masivos se ha llenando de basura. Hoy vemos “artistas” con ninguna propuesta inteligente pero mucha imagen comercial que le reditúa en muchos billetes (estamos en un entorno cultural tan pobre que tener dinero es ahora la única concepción de éxito) y nos informan puntualmente de toda su frívola existencia con lujo de detalles, hasta que le pasa “su momento”, y se sigue con otros. Se alaba lo tonto.
La actual tragedia ecológica, la crisis alimentaria y energética, enfermedades nuevas, la dependencia tecnológica, está “pidiendo” urgentemente que haya más científicos. Más aún en un país como el nuestro que le urge sustentabilidad en las actividades productivas ante la terrible pérdida de recursos y  diversidad biológica, ser competitivo, elevar la educación promedio, todo ello para abatir la pobreza en todo sentido.  Ya nuestra región, el Valle del Yaqui fue alguna vez ejemplo mundial cuando con ciencia se logró la ‘Revolución Verde’ (aumentó la calidad y  cantidad de producción de grano, contribuyendo a la reducción de la hambruna); para ello se apoyó fuertemente la investigación agrícola creando centros de investigación, trayendo expertos de otros países para capacitar a los locales, así llegó un Norman Borlaug y Cajeme tuvo su auge. Lastimosamente no se continuó con ese ímpetu, ¿Qué sería de esta ciudad si se hubiera seguido en ello y en otros campos la inversión fuerte en ciencia y tecnología? (Ya tenemos estatua de Valentín Elizalde pero aún no de Norman Borlaug).
En nuestra ciudad hacen mucha falta espacios para la divulgación científica, sobre todo dedicado a los niños, un museo de la ciencia, un laboratorio infantil, proyección de documentales, juegos educativos, etc. El único espacio que existe es el Planetario, pero obviamente es insuficiente. Existen ya muchas universidades en Ciudad Obregón, pero la oferta educativa es muy pobre, es más de lo mismo, faltan opciones de carreras científicas y obviamente laboratorios equipados. También faltan programas de estímulo a la investigación, de intercambio, una biblioteca pública más completa…Etc.
Llenar todos esos vacíos en nuestro municipio puede llevar mucho tiempo a como son las cosas de burocráticas y complejas, pero hay que empezar por algo ya. Encendamos de nuevo la chispa -si es que se nos apagó- y, propongo que este día del niño empecemos precisamente con ellos, regálale a un niño un paseo por el campo, un vistazo a las estrellas, un libro de reptiles, una caja para que coleccione piedras, un aparato viejo para que desarme y arme… Si apostamos por los niños, por la ciencia, no solo habrá futuro sino un buen futuro y no lejano.

Posdata: Si eres filántropo o te gustaría serlo aquí dejo algunas ideas. Un abrazo.

Sobre la exposición-experimental del artista  Enrique Vidal el dia 12 de marzo de 2009.

¿Hace un giro? ¿Entra a otros frentes, otros territorios del significado y poéticas significantes?

“Cuando lo real ya no es lo que era, la  nostalgia asume su pleno significado”.

Jean Baudrillard

Cuando miramos un espejo pensamos que la imagen que se nos ofrece es exacta. Pero sí te mueves un milímetro la imagen cambia. Estamos mirando constantemente un círculo de reflejos sin fin. Pero a veces el artista tiene que destrozar el espejo porque es en el otro lado del espejo donde la verdad nos mira a nosotros. El arte es una ambiciosa transacción, unas arenas movedizas, un trampolín, un estanque helado que se puede abrir bajo los pies, los del artista en cualquier momento. La vida de un artista es extremadamente vulnerable, apenas una actividad desnuda. El pintor no tiene que llorar por ello. El artista hace su elección y queda atrapado por ella. Expuesto a todos los vientos de la crítica; algunas de ellas mordaces. Está sólo por su cuenta. No encontrará refugio, ni protección en la autocomplacencia, sino en la autocrítica. En el arte contemporáneo el creador se halla en un momento de profundas transformaciones en lo que concierne a sus procedimientos y repertorios. Advierte que coexistimos en sociedades de contrastes, de paradojas y contingencias.

Convivimos en lo disperso y las Bellas Artes han desbordado su nombre; la “belleza” dejó de ser su finalidad y el arte apenas puede contener la inquietud de lo que se produce dentro de sus géneros tradicionales. El formalismo estético: composición, estructura, la idea de estilo, sólo muestran su inestabilidad y su ineficacia para dar alcance a lo que está ocurriendo en el discurso artístico. Una de las características persistentes de una serie de críticos es en la insistencia de “el final del arte”, “final de la historia” y “el final de la estética.”Ante éste escenario, existen nuevas tendencias, fisonomías que empujan y cuestionan los cánones de entender la vanguardia; plantean ¿qué es y qué no es el arte”?, o ¿quién decide “qué es buen arte o mal arte“? o “¿quién determina el significado?, ¿quién tiene derecho de interpretar?”. El colapso de la idea de formalismo estético – la creencia en que los valores estéticos pueden sostenerse por su cuenta- como factor unificador  ya no puede sustentarse.

El arte conceptual es un movimiento que emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del Formalismo. Centraron su atención en  que el arte no descansa en el objeto mismo, sino en la idea combinando asuntos sociales, políticos y económicos. Desean ampliar la conciencia visual del público. La negación del objeto sigue siendo un intento para traer la materia prima de la vida cotidiana e introducirla en el contexto de la experiencia. ¿En realidad el artista se descubre a sí mismo en esas esquirlas del espejo destruido?  O ¿Lo que nos propone es un enorme entramado de mentiras, de las cuales nos alimentamos?

Héctor Martínez Arteche es una figura imprescindible de la plástica sonorense. Su presencia en la entidad es decisiva tanto en la tradición pictórica de la segunda mitad del siglo XX hasta nuestros días como en la formación de varias generaciones de artistas. Hoy nadie pone en duda que el ambiente cultural sería muy distinto sin la presencia del maestro Arteche, quien ha contribuido significativamente a configurar la identidad de las artes plásticas en la región.

Llega a Hermosillo en 1961 como director de la naciente Academia de Artes Plásticas de la Universidad de Sonora, y se arraiga de manera definitiva en estas áridas tierras del noroeste de México. Lo cautiva, según sus propias palabras “La transparencia de sus paisajes y su extraordinaria luminosidad”.

Egresado de la vieja Academia de San Carlos en 1952 (Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM) y con solo 27 años de edad llega a Sonora con una formación muy sólida y la influencia de la llamada Escuela Mexicana de Pintura. Antes de establecerse en Sonora realiza una serie de viajes a distintos puntos de la provincia, recorriendo, muchas veces en largas caminatas, los caminos rurales del sureste mexicano. En estos viajes, que se vuelven frecuentes, se detiene por días en pequeñas poblaciones con la idea de estudiar los paisajes y los diferentes tipos humanos que lo habitan. Realiza cientos de apuntes que muchas veces termina regalando a la gente del lugar. Eventualmente participa al lado de su compañero Héctor Cruz en proyectos murales (Taxco, Guerrero) y participa en la creación de los institutos regionales de bellas artes en Tula, Hidalgo y Mazatlán, Sinaloa.

Es en Sonora donde Arteche encuentra la oportunidad para realizar su trabajo creativo de manera permanente en las diferentes disciplinas de las artes plásticas: como muralista, como pintor de caballete y escultor y, sobre todo, como grabador, una de las facetas más ricas y quizás menos conocida de su rica producción artística.

Formación profesional. Parte fundamental de su formación como artista y como ser humano son los viajes que realiza al interior del país en donde entra en contacto con los paisajes de nuestra geografía física y humana, y se encuentra cara a cara con la imagen del pueblo mexicano en su diversidad de costumbres y entornos físicos, temáticas que abordará a lo largo de su carrera profesional. Arteche lo confiesa “Mi gran maestro es el paisaje y la figura humana, éstos me han dado las lecciones más importantes en el manejo de la forma y el color; es a través de la observación que se logra descubrir la estructura y el alma de las cosas” Sin embargo, es el ambiente de la época y su relación con artistas mexicanos de la Escuela Mexicana de Pintura quienes ejercen una influencia decisiva en su producción artística, particularmente en su obra temprana.

Él mismo recuerda que, siendo estudiante de San Carlos, uno de los maestros que dejó profunda huella en su persona y de quien aprendió el amor por “el oficio” fue el gran grabador mexicano Carlos Alvarado Lang, quien le daba la clase de grabado. Al reconocer el talento del joven Arteche, Alvarado Lang lo invita a trabajar en su propio taller. Así inicia una fecunda colaboración con el maestro, imprimiendo sus placas y sosteniendo largas conversaciones sobre los secretos del oficio, casi siempre después de clases por las noches. En esta relación de trabajo se contagia de la actitud del maestro, el gusto por la música clásica y, sobre todo, el nivel de compromiso y la pasión con la que asumía su trabajo creativo.

La habilidad adquirida en las clases de grabado y la experiencia de trabajar con uno de los grabadores más importantes de ese momento hicieron posible que se ganara una beca para realizar estudios de grabado al buril en los talleres de Moneda de la Secretaria de Hacienda y Crédito Público. Posteriormente también logra una beca para realizar estudios de pintura mural en el Taller de Integración Plástica del Instituto Nacional de Bellas Artes.

En la década de los cincuenta del siglo XX, al mismo tiempo que realizaba prácticas de pintura mural como ayudante del muralista Juan O’Gorman, también desarrolla una intensa labor de apoyo a organizaciones sindicales y movimientos populares al lado de sus compañeros de estudios Héctor Cruz y Javier Iñiguez, quienes imprimían una gran cantidad de grabados en papel china que luego pegaban con engrudo en los muros de la ciudad para denunciar las injusticias sociales.

Llegó a conocer personalmente a los tres grandes de la pintura mural, a quienes admiraba y reconocía su influencia tanto en la concepción de la obra creativa como en la función social del arte. A Diego Rivera y a Siqueiros los veía seguido en reuniones de carácter político y en algunas fiestas; el más difícil de abordar siempre fue Orozco, quien tenía muy poca vida social. Aunque se lo encontró algunas veces en la calle, siempre tuvo temor a abordarlo por su carácter hosco y poco amigable.

Arteche se relacionó con los miembros del Taller de Gráfica Popular, en el que militaban varios de los muralistas y grabadores más importantes de aquellos años (Leopoldo Méndez, José Chávez Morado, Alfredo Zalce y Raúl Anguiano, entre otros), y llegó a tener una buena amistad con García Bustos, integrante de dicho organismo. Sin embargo, nunca se integró a esa organización porque le gustaba trabajar de manera independiente. Por esta misma razón rechaza el trabajo que le ofrecen en la Casa de Moneda para diseñar estampillas y billetes: según el mismo lo platica, era un trabajo agobiante y bajo vigilancia, cuando lo que quería era trabajar en completa libertad.

Ya establecido en Sonora, muy lejos de la vibrante e intensa vida cultural de la capital, era común verlo caminar por el campo sonorense buscando los paisajes que lo habían cautivado. También se le encontraba en los salones o talleres de la universidad ensimismado con el pincel sobre el lienzo o los buriles, delineando formas y figuras sobre la placa de metal, o reunido con sus discípulos en amena conversación en torno al arte y los artistas.

Su vocación como docente ha estado presente a todo lo largo de su trayectoria profesional, y desde que llegó a Sonora no ha dejado de compartir sus conocimientos y experiencias tanto en el aula como en el taller. Arteche es pionero en la enseñanza de las artes plásticas en la entidad, continuando la obra de Higinio Blat, quien funda la Academia de Artes Plásticas en 1951. Es el maestro Arteche quien organiza los programas de estudio y crea los primeros talleres, entre los que figura el taller de grabado, y es el primero que enseña las diferentes técnicas de grabado en la Universidad de Sonora, en donde se forman los primeros grabadores sonorenses como Manuel Romo, Mario Moreno y Gustavo Ozuna, entre otros. Entre 1962 y 1963 se realizan las primeras exposiciones de grabado en la galería universitaria, producto de sus enseñanzas.

Arteche, maestro del grabado. Al maestro Arteche le gusta destacar su obra como muralista, y mediante analogías con la música nos dice que “un mural es como una sinfonía, por todos los elementos que intervienen, mientras que un cuadro de caballete, un dibujo o un grabado son como los acordes de una pieza musical o una canción” La verdad es que ha desarrollado todas las disciplinas de las artes plásticas con excelentes resultados, tanto en la escultura como en la pintura o en las diferentes técnicas del grabado. Los mismos resultados de fuerza y profundidad logra con un simple lápiz que con un pincel o con un buril, en pequeño o en gran formato. No importa el material o la herramienta, lo que importa es que estamos frente a un artista con la capacidad para expresarse a través de cualquier medio de las artes plásticas.

No es casual que, siendo un excelente dibujante, haya elegido el grabado como una de sus principales formas de expresión, con un dominio de la técnica que sólo es posible después de años de esmero y dedicación. En su obra no hay correcciones ni artificios, su gran conocimiento del dibujo y la precisión del trazo le permiten situarse al nivel de los grandes maestros de la gráfica mexicana.

Sobresalen en el conjunto de su obra los trabajos realizados en la técnica de buril y de linóleo. Son dos técnicas en las que se trabaja directamente sobre la placa sin más recursos que la herramienta que hiere la superficie, y que va creando una serie de efectos que permiten construir la imagen de manera sorprendente, casi mágica. En la obra de Arteche llama la atención no sólo la calidad de las líneas, los efectos de luces y sombras, sino la fuerza y la intensidad de sus imágenes casi siempre en movimiento y, sobre todo, la honestidad de sus temas.

Las técnicas de grabado las aprendió en “la época dorada del grabado” en México, con el maestro Alvarado Lang, y en su relación cercana con los integrantes del Taller de Gráfica Popular, quienes supieron combinar la calidad artística con la función didáctica y propagandística de sus obras. Su predilección por el buril es una influencia directa del maestro Alvarado Lang, y sus trabajos en linóleo sin duda alguna son una influencia de la mejor tradición del Taller de Gráfica Popular, en donde Leopoldo Méndez era el maestro indiscutible por los valores plásticos de su obra.

Pero el maestro no sólo ha sido un virtuoso en el campo de la técnica, también ha sabido apropiarse del grabado como un lenguaje, como una forma de expresión en donde la técnica finalmente es sólo un medio y no un fin en si mismo.

Cincuenta años de producción gráfica. Desde sus primeros años como estudiante de la Academia de San Carlos (1948-1952) da muestras, pese a su juventud, de una gran habilidad y talento, tanto en trabajos escolares como en sus primeros trabajos personales.

Destacan en esta época varias grabados en pequeño formato en las técnicas de buril y linóleo en los que se observa la pulcritud de la línea, la seguridad y, al mismo tiempo, la libertad de los trazos. Durantes estos años expresa en sus grabados inquietudes sociales y políticas, manifestándose a favor de las luchas populares; tal es el caso del grabado en linóleo titulado Protesta, de 1949, o el grabado al buril La voz de México, de 1954. Es una época de intensa actividad en la que produce muchos grabados destinados a ilustrar hojas volantes o a manera de carteles para ser distribuidos masivamente. Los personajes centrales de su obra son gente del pueblo que luchan por la justicia social o se manifiestan en contra de la guerra y el fascismo.

Entre 1954 y 1955 sus temas se matizan y adquieren interesantes visos poéticos. Aunque los protagonistas siguen siendo personajes del pueblo, los representa en situaciones de la vida cotidiana en estrecha relación con su entorno y sus actividades laborales. Así surgen imágenes al buril como Platanar, bellísimo grabado en donde se representa a una mujer y su hijo sentados en la puerta de su humilde choza de paja con el follaje de los platanares como fondo, en una actitud desenfadada en paciente espera de algo o de alguien. La misma magia trasmite su grabado al linóleo Río tonto, en el que la exhuberancia del paisaje envuelve y cobija a un grupo de mujeres que lavan ropa a orillas del río. Culminación de esta época es la serie de grabados al linóleo Sobre la pesca, que realizó durante su estancia en Mazatlán y en los que captó a los hombres del mar en diversas actitudes y actividades. La gubia en manos del maestro es como un pincel que distribuye y equilibra el negro de la tinta con los blancos del papel y que, finalmente, con base en incisiones sobre la placa, logra crear una composición dinámica que nos muestra a seres humanos reales en el vértigo de la existencia.

Entre 1961 y 1968 su trabajo gráfico se alterna con la pintura y las actividades docentes en la Universidad de Sonora. Produce piezas sueltas al buril, especialmente una serie de paisajes, algunos desnudos y retrata a personajes en actitudes nostálgicas. Algunos ejemplos son: Un niño, Una mujer y Una señora, la mayoría en pequeños formatos. La obra Tolvanera es un grabado en técnica mixta en la que representa a un grupo de personas, arremolinadas entre sí, protegiéndose de la fuerza amenazante del viento en medio del desierto. Es una obra que nos recuerda de sus grabados anteriores cómo el trazo de la gubia va creando atmósferas envolventes de gran dinamismo y fuerza, pero en este trabajo lo logra con líneas y zonas de grises en una excelente interacción.

Queda la impresión de que estas obras fueron la antesala de su primera serie importante en tierras sonorenses, la serie sobre reses Matanza ilícita. Éste conjunto lo trabaja con técnica mixta, combinando la línea del aguafuerte con los claroscuros de la aguatinta. El tema es el de la res en la agonía del sacrificio, reses en camino al matadero, cayendo, destazadas, sangrando. Arteche no sólo testimonia con imágenes un suceso cotidiano de las praderas del noroeste; quizás en las reses sacrificadas existen símbolos que apenas se asoman. Son imágenes dramáticas que sacrifican el detalle y ganan en fuerza expresiva.

Año crucial para el maestro Arteche es 1974. En esa época se enfrenta a una serie de dilemas estéticos y existenciales que dan como resultado una serie de grabados titulada A Neruda, de extraordinaria calidad plástica y en la que hace alarde de su gran dominio de la técnica del buril. Son tiempos en los que él mismo reconoce que “Sentía gran insatisfacción con lo que estaba haciendo”, tenía la impresión de que le estaba dando gusto a todo mundo, menos a sí mismo. Decide entonces renunciar a la Universidad de Sonora y viajar a Alemania, para después de varios meses en el viejo mundo establecerse en Arizona (Rancho Linda Vista, Tucson, Arizona). Él mismo narra que, después de largas caminatas por el desierto, empezaba a encontrar respuestas a muchas de sus interrogantes, en una vorágine de recuerdos de su infancia empieza a visualizar su obra futura. Después de ese encuentro consigo mismo empieza una intensa actividad, realiza cientos de bocetos que posteriormente lleva a placas de metal en el taller de grabado de su amigo Andrew Rush, y posteriormente en los talleres de la Universidad de Arizona como maestro visitante.

Los años 1974 y 1975 representan un quiebre en el proceso creativo del maestro Arteche. Cierra una larga etapa caracterizada por su apego total a la figuración y su preferencia por temas populares, aunque nunca se queda en lo anecdótico o descriptivo como algunos de sus contemporáneos del Taller de Gráfica Popular. Como lo señala el critico de arte R.M. Quinn de la Universidad de Arizona “Aquí sus colores se avivaron, surgió un nuevo optimismo y su sentido del espacio, casi interestelar, se cargo de luces chispeantes y complejas vibraciones…”. En esta serie de grabados que inicia con un autorretrato titulado Mí mismo y que continúa con la serie dedicada al poeta chileno Pablo Neruda, se observa un esfuerzo de introspección, un intento por mirarse desde adentro para poder conectarse con el mundo externo y captar la energía del universo. Durante este año de residencia en Arizona centra sus preocupaciones en la representación de la energía, la fuerza que pone en movimiento al universo y toma forma en la luz. La luz como elemento central que se materializa en líneas concéntricas que generan un movimiento envolvente.

La visión del maestro sufre entonces un cambio significativo y se proyecta en todos los trabajos realizados durante los años ochenta y noventa. Aunque hay un retorno a la figuración, muy frecuentemente integra elementos figurativos con elementos compositivos dinámicos con base en líneas concéntricas que envuelven e integran la figura. En el año de 1994 realiza Al natural, una serie de grabados con la técnica de punta seca y en la que el tema central es el desnudo femenino. En esta serie expresa su voluntad de retornar a lo esencial de las cosas, y con unos pocos trazos capta unos cuantos detalles de la figura humana y sugiere todo lo demás. En esta y otras series posteriores hay una especie de minimalismo gráfico, son obras sugestivas que admiten múltiples lecturas. Son como paisajes en los que el cuerpo humano es un simple pretexto.

Las temáticas abordadas por el maestro Arteche nos revelan su visión del mundo y de la vida, sus inquietudes y preocupaciones a lo largo de más de cinco décadas de trabajo creativo. A través de su producción gráfica podemos observar la compleja personalidad de un artista que enfrenta los retos, que lo mismo busca la objetividad como explora el mundo a través de la introversión. No sólo es el artista que ha educado su mirada observando el mundo externo, también sabe asomarse a su interior para poder expresar realidades sensibles y espirituales.