Javier Martínez Rosas
javier.remo@hotmail.com

“Los más grandes males que acechan a nuestra Tierra son la ignorancia y la opresión, y no la ciencia, la tecnología o la industria, cuyos instrumentos cuando se manejan adecuadamente, son herramientas indispensables, para salvar la sobrepoblación, el hambre y las enfermedades mundiales”.
-N. Borlaug.

Desde el Valle del Yaqui partieron las primeras toneladas de una nueva variedad de trigo llamada Lerma Rojo hacia la India en 1966. En los siguientes dos años India, Pakistán y Turquía importaron una gran cantidad de las nuevas variedades recién desarrolladas. Eran resistentes a las enfermedades y más productivas. India y Pakistán duplicaron la producción de éste cereal en dos años, se le llamó la Revolución Verde, y Norman Borlaug es el nombre del gran artífice que contribuyó al mejoramiento de la vida de millones de personas en el mundo, hecho que le llevó a ser reconocido con el Premio Nobel de la paz en 1970.

Norman Ernest Borlaug, un científico estadounidense especializado en producción agrícola, ciencias forestales y microbiología que llegó a México en 1944 como miembro de la Fundación Rockefeller una organización filantrópica, por invitación del Gobierno mexicano para desarrollar en conjunto con especialistas mexicanos una nueva generación de agricultores mejor capacitados, para una mayor y mejor producción de maíz y trigo que cubriera las necesidades de consumo e impulsara a la industria alimenticia del país. Se creó el Centro Internacional para el mejoramiento del Maíz y el Trigo (CIMMYT), Borlaug fue el director del programa de mejoramiento del trigo.

Llegó a Sonora en 1945 a trabajar en el Valle del Yaqui para estudiar la problemática del trigo, muy vulnerable a infectarse con hongos parásitos llamados las royas que acababan una y otra vez con las cosechas. En trabajo conjunto con agrónomos mexicanos se logró producir las primeras variedades resistentes a esta plaga en 1948 y experimentar nuevas técnicas de cultivo. El éxito obtenido provocó una reacción general de interés por parte de los productores agrícolas en invertir más en investigación. En 1963 la India y Pakistán invitan a Borlaug a que introduzca en sus países las nuevas variedades de trigo desarrolladas en México.

Las consecuencias de la “Revolución Verde” fueron enormes, en los inicios de la misma el mundo estaba aún sumergido en dolor y pesimismo, la segunda guerra mundial acababa de terminar y la explosión demográfica en muchos países como en la India ponía en alerta al mundo ante la insuficiencia de alimento para todos, las hambrunas se intensificaban. La Revolución Verde fue una luz en la oscuridad en esos angustiosos años. Hoy India es el segundo productor de trigo del mundo; se mitigó la hambruna, y aunque aún hay hambrientos, más que un problema de producción lo es de distribución.

El Dr. Borlaug continuó activo trabajando admirablemente en su labor mayormente divulgadora hasta sus últimos días y visitando zonas agrícolas desde África hasta Latinoamérica. Fue la voz líder y más autorizada en el mundo en cuanto al tema agrícola, siempre destacando los objetivos de calmar el hambre y fomentar el desarrollo de países pobres. Periódicamente fue invitado a ofrecer cátedra y conferencias en prestigiosas universidades de todo el mundo, en donde mencionó reiteradamente que la guerra contra el hambre aún no está ganada y que la llamada Revolución Verde fue una victoria temporal contra el hambre, erradicar el hambre es el reto más antiguo del hombre.

Actualmente el crecimiento demográfico continúa y solo con una mejor, eficiente, sustentable y responsable técnica de producción agrícola podrá con ese reto en éste siglo. Borlaug se refirió a la nueva tecnología agrícola como la que provocará la ‘Revolución Azul’, apuntalada por los estudios en el campo de la biotecnología y que según Borlaug debe ser aplicada dadas las condiciones actuales del mundo, será más sustentable y barata, y con mejores resultados en la lucha contra la hambruna.

Se debe ampliar y mejorar la educación científica para poder ser capaz de desarrollar y aplicar adecuadamente la mejor tecnología, Borlaug y sus compañeros investigadores, probaron que la ciencia esta presente como pilar civilizador fundamental generador de mejores condiciones.

Un brillante hombre acaba de morir (12 de septiembre 2009); desafortunadamente en esta ciudad gran parte de la población lo único que sabe acerca de Norman Borlaug es que es un boulevard que conecta la ciudad con el valle agrícola. En cada visita a estas tierras el insigne hombre no dejaba de elogiar a los habitantes de Ciudad Obregón, la última vez que estuvo aquí fue hace apenas unos meses.

“Un artista creativo trabaja en su próxima composición porque no está satisfecho con la anterior. Cuando pierde la actitud crítica hacia su trabajo deja de ser artista”.
-Dmitri Shostakovich

Este verano cumple cincuenta años una de las composiciones más importantes de Dmitri Shostakovich (1906-1975) y del repertorio concertístico para violonchelo. El Concierto no. 1 en Mi bemol mayor para violonchelo y orquesta, Op.107.  Una obra dedicada al gran violonchelista ruso Mstislav Rostropovich -fallecido hace dos años- quién lo estreno con la Orquesta Estatal Filarmónica de Leningrado dirigida por Mravinsky, el 4 de octubre de 1959.
Shostakovich es un compositor difícil de clasificar, ecléctico, neo-romántico, neo-clásico y una vez superada la censura soviética, incursionó también al lenguaje moderno. Su vida y obra es un drama político. Ante la aparición de sus primeras obras que se salían del perfil tradicional, del realismo socialista, fue reprendido por Stalin. En esta época bajo la dictadura de Stalin, ser artista era muy peligroso, muchos terminaron muertos por “degradar la autoridad”, otros no se arriesgaron y se fueron de la URSS.  Shostakovich era un convencido socialista y de la importancia de su pueblo, rechazó irse, aunque en el fondo odiaba a Stalin.  Así que mientras vivió el dictador, compuso apegado al convencionalismo, sin inventar o experimentar como lo hacían Schönberg o Stravinsky. Pero la naturaleza netamente abstracta de la música, donde la interpretación es altamente subjetiva tiene una ventaja expresiva; Shostakovich revelaría más tarde que en su obra está llena de signos de disidencia.
Shostakovich hizo una longeva amistad con Rostropovich, quien hace unos años describía el papel de su amigo: “…siempre creí que surgiría alguien…cuya obra habría de transmitir los horrores y las pesadillas de nuestro tiempo…ese hombre es Dmitri Shostakovich”.  Después de la muerte de Stalin en 1953, hubo un ligero ablandamiento en las políticas para los creadores, aunque la censura seguía. Rostropovich quien recibiera los máximos galardones soviéticos tuvo que huir de su patria para salvaguardar su vida y la de su esposa, por defender en 1970 al escritor Alexander Solzhenitsyn.
A fines de octubre de 1959 Shostakovich viajó a Estados Unidos junto con un grupo de musicólogos y compositores rusos,  y además de escuchar música de americanos, escuchó su propio concierto para violonchelo interpretado por Rostropovich y la Orquesta de Filadelfia; el concierto fue muy aclamado en este país. Aprovechando las circunstancias, fue grabado el 8 de noviembre en los estudios Columbia en donde Shostakovich trabajó muy cercanamente con el director para la grabación.
El concierto consta de cuatro movimientos incluida la cadenza: Allegro, Moderato, Cadenza y Allegro con moto. La instrumentación indicada es de flauta, flauta piccolo, dos oboes, dos clarinetes, dos fagotes, un contrafagot, un corno, timbales, celesta y completa sección de cuerdas. La obra comienza con el solista tocando un motivo de cuatro notas, un motivo que es la base para todo el concierto, iniciando así un animoso e inestable primer movimiento; Shostakovich describía a este movimiento como una marcha jocosa, da la impresión de que se trata de humor negro, pues al llegar el segundo movimiento el contraste es radical.
Con un carácter elegiaco, introspectivo y por momentos lánguido,  el segundo movimiento es el centro emocional de la obra, en él podemos escuchar al más fino Shostakovich. Por sí mismo el segundo movimiento, es una obra maestra que vale la pena apreciar; al final del mismo, precedido de un solo de corno, el violonchelo toca una etérea coda lograda con puros armónicos, inolvidable.
La cadenza que viene a continuación, lejos de ser un mero pasaje de lucimiento para el solista, conecta perfectamente el segundo y último movimiento mostrando desarrollo de ideas musicales, mantiene el mismo carácter del segundo movimiento en gran parte; y al final adquiere brío que proporciona la energía necesaria para lanzarnos al impetuoso final del concierto, un breve rondó allegro con moto con muchas insinuaciones al motivo inicial del concierto, hasta que aparece real, tal cual. El concierto termina abruptamente.
El año 2006 fue el año Mozart porque se festejaron 250 años de su natalicio, hubo miles de homenajes en todo el mundo, festivales masivos. Pocos se enteraron que se conmemoraba también el centenario del natalicio de Shostakovich, y para él hubo escasos homenajes. Shostakovich es sin duda de los tres compositores más grandes del siglo XX, un músico que no ha sido ni remotamente, lo suficientemente escuchado. Aprovechemos el cincuentenario de esta obra.
Link de video: Rostropovich con la London Symphony Orchestra dirigida por Sir Charles Grove. El segundo movimiento del concierto. (1961).

http://www.youtube.com/watch?gl=MX&v=LeqP6rPnyeY

Javier Martínez Rosas

javier.remo@hotmail.com

A un instrumento musical de cuerda pulsada originado en España muy posiblemente en el siglo XIII, se le llamó guitarra latina. Es precisamente de ese siglo el documento más antiguo que se conserva en donde aparece la palabra ‘guitarra‘, en unos cantos dedicados a Alejandro Magno. Guitarra es una palabra que se especula proviene de cítara, un instrumento de orígenes prehistóricos utilizado por los egipcios y popularizado por los griegos a través de las leyendas mitológicas de Hermes y Apolo.

La guitarra latina era un instrumento popular de cuatro órdenes (pares) de cuerdas que se utilizaba para acompañar canciones mediante rasgueos. La mayoría de los músicos españoles instruidos de entonces prefería tocar la vihuela, un instrumento con características afines a la guitarra pero que tenía más cuerdas, cinco o seis órdenes, lo que permitía mayores posibilidades musicales tocándose de manera punteada. La vihuela cayó en desuso a finales del siglo XVI cuando a la guitarra latina se le agrega una quinta cuerda e incorpora la técnica de ejecución de la vihuela, tomando el repertorio de ella y a su vez, manteniendo su popularidad para acompañar canciones. Empezaron a llamarla guitarra española. La guitarra rápidamente empezó a popularizarse en Europa.

En 1596 se publica el primer libro dedicado a la guitarra española por Joan Carles Amat. Hoy día a ésta guitarra la conocemos como guitarra barroca. El nivel técnico y musical de la guitarra barroca llegó a muy alto grado con figuras como Gaspar Sanz, Santiago de Murcia, Robert de Visée, Francesco Corbetta y Jean Baptiste Lully.

En 1674 el compositor, guitarrista y organista español Gaspar Sanz publica la obra: ‘Instrucción de música para la guitarra española y método desde sus primeros rudimentos hasta tañerla con destreza’, en donde además de consejos técnicos aparece un interesante repertorio de canciones y danzas españolas. Una obra fundamental en la historia de la guitarra.

En Italia la guitarra tuvo gran auge durante el barroco; un gran número de compositores y guitarristas destacados hubo allí en ésta época, destacan: Gioramo Montesardo, Benedetto Sanseverio, Francisco Corbetta, Giovanni Battista Granata, Domenico Pelligrini y Ludovico Roncalli. El gran constructor de instrumentos Antonio Stradivarius también hizo algunas guitarras, se conservan en la actualidad dos de ellas. En la primera mitad del siglo XVIII empiezan a aparecer guitarras de seis cuerdas en Italia, lo que llevaría a otra etapa en el desarrollo del instrumento.

En 1760 el fraile Miguel García conocido como el padre Basilo, presenta por primera vez una guitarra de seis cuerdas en España. El fraile fue una figura destacada en la música en España pues era instructor de los reyes, y también del famoso guitarrista Dionisio Aguado. Durante esta época la música para guitarra es escrita en notación musical estándar, anteriormente, se escribía en un sistema llamado tablatura en donde líneas que representaban las cuerdas se escribían cifras o letras que determinaban el lugar exacto de la nota a tocar.

La guitarra evolucionó notablemente a fines del siglo XVIII; se hizo un poco más grande, cintura más pronunciada y dejó de tener ordenes de cuerdas para tener seis cuerdas simples con la afinación Mi-La-Re-Sol-Si-Mi. En este momento nace la guitarra clásica.

A principios del siglo XIX empieza una etapa brillante para el instrumento. Los españoles Fernando Sor (1778-1839) y Dionisio Aguado (1778-1849) destacan como dos figuras primordiales en la historia de la guitarra, grandes virtuosos, compusieron una gran cantidad de música que elevó el estatus artístico del instrumento que entonces rivalizaba con el recién llegado pianoforte en los palacios reales. La música escrita en estilo clásico de la época tiene la influencia de músicos como Haydn, Mozart y Rossini. Además, crearon completos métodos de guitarra que tuvieron gran aceptación. Igualmente muy destacados fueron los guitarristas Italianos Fernando Carulli (1770-1849), Mateo Carcassi (1792-1853) y Mauro Guiliani (1781-1829), grandes concertistas, compositores y pedagogos de la guitarra.

En 1854 nace quien sería considerado el padre de la guitarra moderna, el español Francisco Tárrega. Estudió con Arcas y sus conciertos lograron cautivar al público europeo. Se estableció en Barcelona donde creó su propia escuela. Desarrolló nuevas técnicas buscando nuevas posibilidades expresivas al instrumento. Compuso obras dentro del estilo romántico, e incrementó el prestigio de la guitarra al lograr excelentes trascripciones de obras de grandes autores como Albéniz y Schumann, Handel, Bach y Mozart. Utilizaba una guitarra hecha por Antonio de Torres (1817-1892) quien había logrado crear un instrumento que producía mayor intensidad de sonido ampliando sus dimensiones; usaba tres cuerdas de seda entorchadas con metal, y tres de tripa. También Miguel Llobet utilizó esta guitarra. Nace la guitarra moderna clásica.

En el siglo XX la guitarra se consolida como instrumento de concierto a través del gran guitarrista español Andrés Segovia, el primer guitarrista de fama mundial. Durante su vida, se presento en las salas de mayor prestigio en el mundo. Su influencia fue tal que persuadió a muchos compositores a componer obras grandes para guitarra, entre algunos Manuel M. Ponce, Manuel de Falla, Heitor Villa-Lobos y Joaquín Rodrigo. En 1947 se empiezan a utilizar las cuerdas de nylon.

Desde mediados del siglo XX hasta hoy, el magnífico desarrollo de la técnica alcanzado por los grandes intérpretes es de altísimo nivel, sobresaliendo los guitarristas: John Williams, Julian Bream, Manuel Barrueco, David Russell, Kazuhito Yamashita y Pavel Steidl. Las capacidades técnicas y expresivas en la música contemporánea para guitarra llega al límite de las posibilidades del instrumento. También hay que mencionar que en este siglo surge la guitarra eléctrica y con ella otra técnica y prácticamente otro instrumento por su radical diferencia en cuanto a la producción de sonido y cualidades tímbricas, instrumento que ha impactado profundamente en la música que más se escucha en la actualidad, instrumento que ha tenido ejecutantes que están sin duda entre los instrumentistas más influyentes de la historia, músicos como Chuck Berry, Jimi Hendrix, Eric Clapton, Joe Pass, Frank Gambale y Steve Vai. El siglo XX es considerado el siglo de oro en la historia de la guitarra, un instrumento antiguo y moderno a la vez. ¿Habrá siglo XXI para la guitarra? Aún es temprano…

]]> http://www.cajemecultural.com/2009/06/esbozo-de-la-historia-de-la-guitarra/feed/ 1